Loin d’être une simple distraction, la chanson constitue une porte d’entrée privilégiée pour comprendre la biographie, la philosophie et les positions politiques du philosophe genevois.

De ses premiers souvenirs d’enfance aux chansons satiriques de la Révolution, Rousseau a vécu et pensé en musique, cherchant sans cesse à retrouver une simplicité perdue.

L’exposé retrace le parcours d’un homme qui fut tour à tour auditeur ému, compositeur autodidacte et copiste de musique pour subsister.

À travers l’analyse de ses écrits théoriques, comme le Dictionnaire de musique, et de ses compositions personnelles, le conférencier démontre comment Rousseau a tenté d’imposer une vision de la musique où la mélodie est strictement subordonnée aux accents de la langue.

Ce qu’il faut retenir

  • La chanson est le fil conducteur de la vie de Rousseau: de la nostalgie des berceuses de sa tante Suzon à ses dernières compositions à Ermenonville, elle représente pour lui une forme de propriété privée émotionnelle et un refuge contre l’adversité.

  • Rousseau prône une radicale simplicité musicale: opposé à la complexité de la musique française et de l’harmonie savante, il recherche une mélodie pure, souvent limitée à quelques notes, pour que la musique ne soit plus un facteur d’inégalité sociale mais un plaisir collectif.

  • L’apport théorique majeur réside dans l’union entre parole et musique: pour Rousseau, la mélodie doit naître des accents naturels de la langue (grammatical, logique et oratoire), faisant de lui un précurseur de l’ethnomusicologie et un acteur clé du passage du vaudeville à la romance romantique.

Une vie rythmée par la nostalgie et la pratique musicale

Rousseau découvre la musique non par les livres, mais par la voix de sa tante Suzon. Ces chansons de l’enfance, souvent des brunettes ou des bergeries légères, resteront gravées dans sa mémoire au point de le faire pleurer à la fin de sa vie. Pour lui, la chanson est intrinsèquement liée à la nostalgie et à l’identité personnelle: il refuse même de rechercher les paroles complètes de certains airs de peur que le plaisir de ce souvenir privé ne s’évanouisse s’il découvrait que d’autres les chantaient.

Au cours de sa jeunesse, il se frotte à tous les genres: les chansons populaires, les airs gaillards appris de compagnons de route, et même la parodie d’opéra. Sa première œuvre publiée en 1737 dans le Mercure de France est d’ailleurs une chanson intitulée « Un papillon badin ». Cependant, son séjour à Venise en 1743 marque un tournant définitif: il y découvre les barcarolles des gondoliers. Cette révélation de la musique italienne, plus simple et plus fluide, cristallise son mépris pour la musique française qu’il juge trop savante, artificielle et « criarde ».

Pour gagner sa vie, Rousseau devient copiste de musique. Il réalise des recueils richement calligraphiés pour de grandes dames, une activité qu’il place paradoxalement au-dessus de ses ambitions de compositeur d’opéra après les critiques acerbes de Rameau. Cette pratique artisanale renforce son lien quotidien avec la matière musicale et son exigence de clarté.

La philosophie de la chanson: simplicité et égalité

Dans ses textes politiques et pédagogiques, Rousseau intègre la chanson comme un outil de réflexion sociale. Dans le Discours sur l’origine de l’inégalité, il avance une thèse audacieuse: le chant et la danse ont été les premiers pas vers l’inégalité. Dès lors qu’un individu cherche à briller, à être « le meilleur » chanteur pour être regardé, la corruption sociale commence. C’est pourquoi Rousseau valorise la chanson villageoise et collective, celle que l’on chante en chœur à table ou au travail.

Cette quête de simplicité culmine dans sa célèbre « Air des trois notes ». Pour prouver qu’une musique dépouillée peut être touchante, il compose une mélodie utilisant uniquement trois tons. Il bannit les fioritures, les trilles et les accompagnements complexes qui, selon lui, étouffent le sentiment. La musique doit être accessible à tous, y compris à ceux qui ne connaissent pas le solfège, afin de rester un vecteur de convivialité et non un instrument de distinction aristocratique.

Sa définition de la chanson dans l’Encyclopédie souligne cette fonction sociale: elle sert à « s’égayer et faire diversion aux peines du travail ». Plus tard, il précisera que pour les pauvres, elle aide à supporter la misère, tandis que pour les riches, elle sert à éloigner l’ennui. Cette vision utilitaire et morale de l’art est au cœur de son système philosophique.

L’union sacrée de la langue et de la mélodie

L’apport le plus original de Rousseau est sa théorie sur les accents. Il refuse l’usage courant de l’époque consistant à plaquer de nouvelles paroles sur des airs préexistants (le timbre). Pour lui, la musique doit être subordonnée à l’idiome. Il distingue trois types d’accents qui doivent guider le compositeur: l’accent grammatical (le rythme des syllabes), l’accent logique (la clarté du sens) et l’accent oratoire (l’expression des passions).

Il prend l’exemple d’un air italien dans La Nouvelle Héloïse pour montrer comment un simple intervalle musical (un accord de septième) peut trahir une émotion que les mots n’osent pas dire. Pour Rousseau, c’est la langue qui doit chanter. Cette exigence est si forte qu’il n’hésite pas à réprimander ses éditeurs pour une lettre « s » ajoutée par erreur, affirmant que l’harmonie du style est plus importante que la correction grammaticale.

Enfin, la vidéo aborde la postérité de Rousseau dans la chanson. S’il fut chanté durant la Révolution comme « l’homme de la nature », il est surtout resté dans les mémoires grâce à la célèbre dérision de la Restauration: « C’est la faute à Voltaire, c’est la faute à Rousseau ». Cette rengaine, immortalisée par Gavroche dans Les Misérables de Victor Hugo, témoigne de l’impact immense, bien que souvent détourné, du philosophe sur la culture populaire française. Rousseau finit ainsi par devenir lui-même un personnage de chanson, bouclant la boucle d’une vie où la musique n’a jamais cessé de résonner.